Brise — der erste performative Film

1.
(Englisch weiter unten)

Bryza – pierwszy film performatywny
Bryza ist das erste Beispiel einer neuen Art von Kino. Zugleich stellt der Film eine neue Form der Präsentation ephemerer Kunst dar. 

Am 25. Juli 2020 landete eine Gruppe von Besuchern verschiedener Planeten in der Ostsee. Eine Gruppe von Freunden, die ihren Aufenthalt am Meer dokumentieren, beginnt, die an Land gehenden Außerirdischen zu filmen. Die Fremden durchqueren Sopot und lösen bei den Passanten Verwunderung aus. 

Der Film ist von Stanisław Lems Buch Głos Pana / His Master’s Voice inspiriert. Auf hintergründige Weise zeigt er die Stimme des Herrn als eine andere Form der Kommunikation, die eine Gruppe junger Enthusiasten im Labor untersucht.

Titel: Bryza – pierwszy film performatywny

Produktionsland und -jahr: Polen 2020

Premiere (online): Polen, Goyki 3 Art Inkubator, Sopot, 30. Dezember 2020

Art des Films: performativer Spielfilm

Genre: Science-Fiction

Laufzeit: mittlere Länge (40 Minuten einschließlich Abspann)

Situationsplan (Drehbuch): Oskar Chmioła;

Künstlerischer Kurator (Regie): Oskar Chmioła;

Mitwirkende: Adrianna Janowska Moniuszko, Agata Sznurkowska, Anita Petk, Bartosz Mateńko, Dorota Kozłowska, Daniel Zakrzewski, Gabriela Zając, Michel Ducerveau, mac lewandowski, Małgorzata Tęgowska, Oskar Chmioła, Pedro Rizzi, Robert Chmielecki, Rutra Kisanaj (Artur Janasik), Szatan Witkowsk, Tomasz Kubik;

Bildgestaltung: Bartosz Mateńko, Michał Baczyński, eventmovie.pl;

Musik: Wojciech Król

Kamera: Bartosz Mateńko, Michał Baczyński, Daniel Zakrzewski, Robert Chmielecki, Anita Petk, Tomasz Kubik, Pedro Rizzi, Oskar Chmioła;

Schnitt: Oskar Chmioła, Karolina Puławska, eventmovie.pl

Postproduktion: eventmovie.pl

Tonmastering: Wojciech Król

Gestaltung des Vorspanns: Przemysław Garczyński (außerdem Reproduktion des Bildes „Figury Pierwsze“ in der Grafik zur Bewerbung des Films)

Produzentin: Karolina Puławska

Dank an die zuständigen Stellen und die Verwaltung der Drehorte:

PTH Kąpielisko Morskie Sopot,

Bałtycka Agencja Artystyczna BART,

Pyrzycki Dom Kultury.

Film mit einer englischen Übersetzung von Maciej Bryńczak.

Der Film wurde mit finanzieller Beteiligung der Stadtgemeinde Sopot realisiert.

Jacek Romański schreibt über den Film:   

„Czekając na Diwę. Wokół ‚Bryzy – pierwszego filmu performatywnego‘ Oskara Chmioły

In dem Moment, in dem die Kamera aufhört aufzunehmen, entsteht zwischen den Ereignissen am Filmset und dem Ergebnis in Form des aufgenommenen Materials eine schwer
zu überwindende Barriere. Leben und Bild, für einen Augenblick durch die Gleichzeitigkeit der Aufnahme verbunden, trennen sich voneinander. Ein bestimmter Ausschnitt der Wirklichkeit
scheint im löchrigen Netz des Wandlers gefangen, verzerrt und anschließend
durch den Schnitt in den beharrlichen Rhythmus digitaler Wiederholbarkeit und allgemeiner Verfügbarkeit gepresst zu werden, die in Gestalt eines Bildes einen gewissen Anschein von Dauer annehmen können. Obwohl das, worauf dieses Bild sich bezog, im Moment des Standbilds unwiederbringlich vergangen ist
und sich nicht wiederholen kann, scheint das Leben selbst durch das monotone Schema der Tage von einer ähnlichen Illusion geprägt zu sein. Besteht die Rolle des Schaffenden also darin,
die grundlegende Vergänglichkeit auf beiden Seiten der Kamera offenzulegen, indem er den Zuschauer in eine Lage von Stress und Orientierungslosigkeit versetzt, wie wir sie gewöhnlich
bei der Begegnung mit dem Anderen, noch Unentdeckten und Unbekannten empfinden? Oder im Gegenteil darin, angesichts dieser allumfassenden Veränderlichkeit neue Regeln aufzustellen? Höchstwahrscheinlich in beidem.

In Oskar Chmiołas ‚Bryza‘ sehen wir daher Widerstand gegen bestehende Regeln. Durch ihre Aussetzung soll sichtbar werden, was bislang eingeengt, von Schemata und gesellschaftlichen Normen verdeckt und nicht wahrnehmbar war. Daher auch die im Film wiederkehrende Geste, die auf das verweist, was darüber liegt, was die vorgefundenen Situationen übersteigt, die nur in der erwähnten scheinbaren Wiederholbarkeit Dauer finden können. Sich aus den Regeln lösen, Veränderung erfahren, Teil von ihr sein – all dies, um das zu erkennen, worauf jene Geste letztlich zeigt: die durch alles hindurchscheinende,
die Vielfalt der Momente in sich vereinende und das scheinbar Getrennte wieder zusammenfügende Liebe. Aufbegehren ist hier also ein mit der Erfahrung von Veränderung verbundenes Handeln, die Triebkraft einer Welt, die erst aufgebaut werden wird – nach der Ablehnung der bisherigen Regeln jedoch auf anderen Fundamenten. Indem das Individuum so das Korsett der Illusionen und Vorurteile lockert, kann es hoffen, den Alltag in seiner ganzen Freiheit und Einzigartigkeit zu erleben. Damit der Widerspruch aber nicht zur abgegriffenen Floskel und erneut zum Spiel des Scheins wird, muss er unablässig weiterglimmen. Mit anderen Worten: Die notwendige Interpretation, aber auch das Filmkonzept selbst sollten
nach freier Improvisation streben und sich dem freien Fluss des Lebens selbst nähern, das sich nicht in einen Käfig aus Verboten und Geboten, in Polizeistationen, Internaten, Schulen oder Häusern einsperren lässt. 

Dieses Streben nach Improvisation wird vielleicht besonders deutlich in der Szene der Festnahme und den darauffolgenden Ereignissen. Es verwirklicht sich durch die Vielfalt performativer Strategien, die im Film eine gewisse situative Lockerung erzeugt, verstärkt durch die Vielzahl der Kameraleute und Blickwinkel. Zugleich gleichen der durchdachte Schnitt und die Kamerabewegung – Winkel, Drohnenaufnahmen usw. – diesen Effekt aus, nur um ihn durch ihre Unordnung und Zufälligkeit in der nächsten Szene oder Einstellung erneut zu steigern. Das schöpferische Potenzial des Alltäglichen wird hier mit Mitteln sichtbar, die von unseren Gewohnheiten abweichen oder ihnen intuitiv widersprechen. Es kann daher Vorbote einer neuen,
am Horizont entstehenden Norm sein, frei von bisherigen Vorurteilen, und einen Platz für die Diwa bereiten, die in einem außergewöhnlichen Monolog aus ‚Bryza‘ erwähnt wird.“

„Bryza …“ ist das erste Beispiel eines Spielfilms, der alle Forderungen des sogenannten „Manifest kina performatywnego“ erfüllt. Damit verwirklicht er das Konzept einer neuen Art von Kino und stellt zugleich eine Strategie zur Dokumentation ephemeren Schaffens dar, nämlich von Performance (Performancekunst und darstellenden Künsten). Wie im Manifest zu lesen ist, gehört zu den Grundannahmen dieses Kinos, „Schauspieler durch Performer zu ersetzen, also durch Menschen, die
etwas auf eine ihnen eigene Weise authentisch präsentieren können. Denken wir dabei daran, dass Performer keine Künstler sein müssen. Verstehen wir außerdem, dass es
Schauspieler sein können, die ihr Handwerk als Werkzeug des eigenen Ausdrucks einsetzen können“ (Manifest kina performatywnego, Oskar Chmioła, Sopot, 25.07.2020, http://chmiola.com/manifest-kina-performatywnego/).

Wie sieht ein Film aus, dessen Figuren von Performern präsentiert werden, statt von Schauspielern gespielt zu werden? Davon konnte man sich bei der Premiere des „ersten performativen Films“ überzeugen.

Nach der PWN-Enzyklopädie ist eine Brise [frz. brise] ein „lokaler Wind, der mit
der Luftzirkulation über einem Untergrund mit unterschiedlichen thermischen Eigenschaften zusammenhängt“. Die titelgebende Bryza ist eine Metapher für den frischen Wind eines neuen Blicks auf Kino, Performance, Lebensstil und Kommunikationsformen sowie eine Aufforderung, in die Richtung zu schauen,
aus der sie kommt. Diese Richtung, also die Quelle dieser Idee, ist die Dramakultur,
deren Wesen Empfindsamkeit und Besonderheit sind. Der Boden, über dem sie sich ausbreitet,
ist dagegen die Technokultur, deren Wesen Messbarkeit und Normativität sind. Die Zirkulation der Einflüsse dieser beiden Ideen ist charakteristisch für die menschliche Zivilisation.
Der Film zeigt die Dramakultur als das Bewegende und die Technokultur als das Formende. Im Film wird die Dramakultur durch Performer mit atypischen
und ungewöhnlichen Verhaltensweisen vertreten, die Technokultur dagegen durch Passanten – Bewohner, Touristen
und Beschäftigte, die beobachten und reagieren – mit typischen, alltäglichen Verhaltensweisen. Die Botschaft des Films ist, dass diese beiden Ideen harmonisch nebeneinander bestehen und dabei in ständigem Dialog bleiben können. Er versucht darauf aufmerksam zu machen, dass unsere Auseinandersetzungen über Lebensweisen und Weltanschauungen eine Art Regulierungssystem der menschlichen Gemeinschaft bilden, das auf die sich verändernde Wirklichkeit reagiert: eine Wirklichkeit
von gebrochener, an manchen Stellen unvollständiger Natur, die deshalb ständig in Bewegung ist.
Der Film zeigt Performativität als Überlebensstrategie in einer solchen Welt.

Außerdem beruht der Film auf den Voraussetzungen von Gilles Deleuzes Zeit-Bild
und ist sogar ein vorsichtiger Versuch, bei der Schaffung eines Kristallbildes (image-cristal) weiterzugehen. Eine Erzählung von der AKTIVEN Anwesenheit idealer Visionäre (pure voyants), von der Anwesenheit von Menschen, die eine Minderheit bilden (minoritaire). Es ist ein Film über die Aktivität und Empfindsamkeit der Menschen, die fehlen (un people qui manque). Darüber hinaus hatten die Dreharbeiten in Sopot den Charakter einer Kulturveranstaltung, einer Art Präsentation von Performances,
an der jeder Interessierte als Zuschauer teilnehmen konnte. Außerdem verbirgt der Film eine performative Äußerung, eine geheimnisvolle Spur, eine von einem der Besucher hinterlassene Nachricht. So hat der Film den Charakter eines Versprechens: Er performt im Zuschauer, der diese Nachricht lesen kann, wenn er einen bestimmten Ort aus dem Film besucht. 

Wichtig ist auch, dass das gesamte Projekt – Film und Manifest – auf

„der Inspiration [des Autors] durch Filmproduktionen mit performativen Elementen im Bereich von Interventionen im öffentlichen Raum beruht, etwa Dwaj ludzie z szafą von Polański,
La montaña sagrada / The Holy Mountain von Jodorowski, Holy Motors von Carax, Performance von Cammell und Roeg sowie auf etwas ferner liegenden Faszinationen für den Zyklus Cremaster von Barney und Electroma des Duos Daft Punk“ (Wiara, misja, harmonia. O Bryzie Oskara Chmioły, Dr. habil. Bartosz Wójcik, 15.12.2020 – vollständiger Text zum Herunterladen -> Wiara, misja, harmonia. O Bryzie Oskara Chmioły).

ENGLISCH

Breeze – The First Performative Film

Bryza ist das erste Beispiel einer neuen Art von Kino. Zugleich ist es eine neue Form der Präsentation ephemerer Kunst.

Am 25. Juli 2020 landete eine Gruppe von Besuchern verschiedener Planeten in der Ostsee. Eine Gruppe von Freunden, die ihren Aufenthalt am Meer dokumentieren, beginnt, die am Ufer ankommenden Außerirdischen zu filmen. Die Fremden spazieren durch Sopot und überraschen die Passanten.

Der Film wurde von Stanisław Lems Buch „Głos Pana/His Master’s Voice“ inspiriert.

Titel: Breeze – The First Performative Film

Produktionsland und -jahr: Polen 2020

Premiere (Online-Vorführung) – Polen, Sopot, Goyki 3 Art Inkubator, 30. Dezember 2020 um 7 Uhr abends (UTC), goyki3.pl

Art des Films: performativer Spielfilm

Genre: Science-Fiction

Laufzeit: mittlere Länge (40 Minuten einschließlich Abspann)

Situationsplan (Drehbuch): Oskar Chmioła;

Künstlerischer Kurator (Regisseur): Oskar Chmioła;

Mitwirkende: Adrianna Janowska Moniuszko, Agata Sznurkowska, Anita Petk, Bartosz Mateńko, Dorota Kozłowska, Daniel Zakrzewski, Gabriela Zając, Michel Ducerveau, mac lewandowski, Małgorzata Tęgowska, Oskar Chmioła, Pedro Rizzi, Robert Chmielecki, Rutra Kisanaj (Artur Janasik), Szatan Witkowsk, Tomasz Kubik;

Bildgestaltung: Bartosz Mateńko, Michał Baczyński, eventmovie.pl;

Musik: Wojciech Król

Kamera: Bartosz Mateńko, Michał Baczyński, Daniel Zakrzewski, Robert Chmielecki, Anita Petk, Tomasz Kubik, Pedro Rizzi, Oskar Chmioła;

Schnitt: Oskar Chmioła, Karolina Puławska, eventmovie.pl

Postproduktion: eventmovie.pl

Tonmastering: Wojciech Król

Gestaltung des Vorspanns: Przemysław Garczyński (außerdem eine Reproduktion des Gemäldes „First Figures“ in der Grafik zur Bewerbung des Films)

Produzentin: Karolina Puławska

Wir danken den zuständigen Stellen und der Verwaltung der Orte, an denen die Aufnahmen entstanden: 

PTH Kąpielisko Morskie Sopot,

Bałtycka Agencja Artystyczna BART,

Pyrzycki Dom Kultury.

[Badebereich PTH Sopot,

Baltische Kunstagentur BART,

Kulturhaus in Pyrzyce.]

Ein Film mit englischer Übersetzung von Maciej Bryńczak.

Der Film wurde mit finanzieller Beteiligung der Stadtgemeinde Sopot realisiert.

Jacek Romański schreibt über den Film:

„Waiting for Diva. Around ‚The First Performative Film‘ by Oskar Chmioła

In dem Moment, in dem die Kamera aufhört aufzunehmen, entsteht zwischen den Ereignissen am Set und dem Ergebnis in Form des aufgenommenen Materials eine schwer zu überwindende Barriere. Leben und Bild, für einen Augenblick durch die Gleichzeitigkeit der Aufnahmezeit verbunden, trennen sich voneinander. Ein Ausschnitt der Wirklichkeit scheint in einem löchrigen Wandlernetz gefangen, verzerrt und dann durch den Schnitt in den beharrlichen Rhythmus digitaler Wiederholung und Zugänglichkeit gezwungen zu werden, die in Gestalt eines Bildes einen gewissen Anschein von Dauer annehmen können. Obwohl das, worauf dieses Bild sich bezog, im Augenblick des Standbilds unwiederbringlich vergangen ist und sich nicht wiederholen kann, scheint das Leben selbst aufgrund des monotonen Musters der Tage von einer ähnlichen Illusion geprägt zu sein. Besteht die Rolle eines Schaffenden also darin, die grundlegende Labilität auf beiden Seiten der Kamera offenzulegen, indem er den Zuschauer in eine Lage von Stress und Orientierungslosigkeit versetzt, wie wir sie gewöhnlich angesichts des Anderen, noch Unentdeckten und Unbekannten empfinden? Oder im Gegenteil darin, angesichts dieser überwältigenden Veränderlichkeit neue Regeln aufzustellen? Wahrscheinlich in beidem.

In Oskar Chmiołas ‚Breeze‘ sehen wir daher Widerstand gegen die bestehenden Regeln. Ihre Aussetzung soll zeigen, was bislang eingeschränkt, durch Schemata und gesellschaftliche Normen verdeckt und unsichtbar war. Daher die wiederkehrende Geste im Film, die auf das verweist, was darüber liegt, was bestehende Situationen übersteigt, die nur in der erwähnten scheinbaren Wiederholung Dauer finden können. Sich von den Regeln lösen, Veränderung erfahren, Teil von ihr sein – all dies, um zu sehen, worauf diese Geste letztlich verweist: die durch alles hindurchscheinende, eine Vielzahl von Momenten in sich verbindende und das scheinbar Getrennte zurückbringende Liebe. Aufbegehren ist hier somit eine Tätigkeit, die mit der Erfahrung von Veränderung zusammenhängt; sie ist die Triebkraft einer Welt, die erst noch aufgebaut werden soll, nach der Ablehnung bestehender Prinzipien jedoch auf gänzlich anderer Grundlage neu geschaffen wird. Indem das Individuum auf diese Weise das Korsett der Täuschungen und Vorurteile lockert, kann es hoffen, den Alltag in seiner ganzen Freiheit und Einzigartigkeit zu erleben. Damit der Widerstand jedoch nicht zur abgegriffenen Floskel und zu einem weiteren Spiel des Scheins wird, muss er ständig weiterglimmen. Anders gesagt: Die notwendige Interpretation, aber auch das Filmkonzept selbst sollten nach freier Improvisation streben, nach dem freien Fluss des Lebens selbst, das sich nicht in einen Käfig aus Verboten und Anordnungen, in Polizeistationen, Pensionen, Schulen oder Häusern einsperren lässt.

Dieser Drang zu improvisieren ist vielleicht besonders deutlich in der Szene der Pause und den anschließenden Ereignissen. Er verwirklicht sich durch vielfältige performative Strategien, die im Film eine gewisse situative Lockerheit erzeugen, verstärkt durch die Vielzahl der Kameraleute und Blickwinkel. Zugleich gleichen der durchdachte Schnitt und die Kamerabewegung – Winkel, Drohnenaufnahmen usw. – diesen Effekt aus, um ihn in der nächsten Szene oder Einstellung durch Chaos und Zufälligkeit erneut zu steigern. Das schöpferische Potenzial des Alltäglichen wird hier also durch Mittel gezeigt, die von unseren Gewohnheiten abweichen oder ihnen intuitiv widersprechen. Es kann daher Vorbote einer neuen, am Horizont entstehenden Norm sein, frei von früheren Vorurteilen, und einen Platz für die Diva vorbereiten, die in dem ungewöhnlichen Monolog in ‚Breeze‘ erwähnt wurde.“

„Breeze …“ ist das erste Beispiel eines Spielfilms, der alle Forderungen des sogenannten „Performative Cinema Manifesto“ erfüllt. Damit verwirklicht er das Konzept einer neuen Art von Kino und stellt zugleich eine Strategie zur Dokumentation ephemerer Kreativität dar, nämlich von Performance einschließlich performativer Künste. Wie im Manifest zu lesen ist, gehört zu den Grundannahmen dieses Kinos, „Schauspieler durch Performer zu ersetzen, also durch Menschen, die etwas auf eine ihnen eigene Weise authentisch präsentieren können. Denken wir dabei daran, dass Performer keine Künstler sein müssen. Verstehen wir außerdem, dass es Schauspieler sein können, die ihre Technik als Werkzeug des eigenen Ausdrucks einsetzen können“ (Oskar Chmioła, „Performative Cinema Manifesto“, Sopot, 30. Juli 2020.

http://chmiola.com/performative-cinema-manifesto/).

Wie sieht ein Film aus, dessen Figuren von Performern präsentiert werden, statt von Schauspielern gespielt zu werden? Das konnte man bei der Premiere von „Breeze – First Performative Film“ erfahren.

Laut PWN-Enzyklopädie ist eine Brise [frz. brise] ein „lokaler Wind, der mit Luftzirkulation zusammenhängt, die über einem Untergrund mit unterschiedlichen thermischen Eigenschaften entsteht“. Die titelgebende Breeze ist eine Metapher für eine neue Perspektive auf Kino, Performance, Lebensstil und Kommunikationsformen sowie eine Ermutigung, in die Richtung zu schauen, aus der sie kommen. Diese Richtung, also die Quelle dieser Idee, ist die Dramakultur, deren Wesen Empfindsamkeit in Verbindung mit Besonderheit ist. Der Boden, über dem sie sich ausbreitet, ist die Technokultur, deren Wesen Messbarkeit und Normativität sind. Die Zirkulation der Einflüsse dieser beiden Ideen ist charakteristisch für die menschliche Zivilisation. Der Film zeigt die Dramakultur als das Bewegende und die Technokultur als das Formende. Im Film wird die Dramakultur durch atypische Performer und ungewöhnliche Verhaltensweisen vertreten, die Technokultur dagegen durch Passanten – Bewohner, Touristen und Beschäftigte, die beobachten und reagieren – mit typischem, alltäglichem Verhalten. Die Botschaft des Films ist, dass diese beiden Ideen harmonisch nebeneinander bestehen und dabei in ständigem Dialog bleiben können. Er versucht darauf aufmerksam zu machen, dass unsere gesellschaftlichen und philosophischen Auseinandersetzungen eine Art Regulierungssystem der menschlichen Gemeinschaft bilden, das auf eine sich wandelnde Wirklichkeit reagiert: eine Wirklichkeit von gebrochener, stellenweise mangelhafter Natur, die deshalb ständig in Bewegung ist. Der Film zeigt Performativität als Überlebensstrategie in einer solchen Welt.

Darüber hinaus beruht der Film auf den Voraussetzungen von Gilles Deleuzes Zeit-Bild und ist sogar ein vorsichtiger Versuch, bei der Schaffung eines Kristallbildes (image-cristal) weiterzugehen: eine Erzählung von der AKTIVEN Anwesenheit vollkommener Visionäre (pure voyants), von der Anwesenheit von Menschen, die eine Minderheit bilden (minoritaire). Es ist ein Film über die Aktivität und Empfindsamkeit von Menschen, die fehlen (un people qui manque). Außerdem waren die Dreharbeiten in Sopot eine Kulturveranstaltung, eine Art Präsentation von Performances, an der jeder als Zuschauer teilnehmen konnte. Darüber hinaus verbirgt der Film eine performative Äußerung, eine geheimnisvolle Spur, eine von einem der Besucher hinterlassene Nachricht. So hat der Film den Charakter eines Versprechens: Er performt im Zuschauer, der diese Nachricht lesen kann, wenn er einen bestimmten Ort aus dem Film besucht.

Wichtig ist auch, dass das gesamte Projekt – Film und Manifest –

„[die] Inspiration [des Autors] durch Filmproduktionen mit performativen Elementen im Bereich von Interventionen im öffentlichen Raum ist, wie Polańskis ‚Two Men and a Wardrobe‘, Jodorowskis ‚La montaña sagrada/The Holy Mountain‘, Carax’ ‚Holy Motors‘, Cammells und Roegs ‚Performance‘, sowie etwas ferner liegende Faszinationen für Barneys ‚Cremaster‘-Zyklus und ‚Electroma‘ des Duos Daft Punk“ („Faith, mission, harmony. On ‚Breeze‘ by Oskar Chmioła“, Dr. habil. Bartosz Wójcik, 15.12.2020 – Datei hier herunterladen -> Wiara, misja, harmonia. O Bryzie Oskara Chmioły).

2020 – Online-Premiere des Projekts „Bryza – pierwszy film performatywny“, Goyki 3 Art Inkubator, Sopot